Edvard Munch: arquetipos y obsesiones del Expresionismo

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Desde el mes de octubre el museo Thyssen está exponiendo una retrospectiva sobre el artista noruego Edvard Munch. Pese a ser un pintor reconocido mundialmente, la gran mayoría conoce exclusivamente su obra “El grito”. Pero lo cierto es que su estilo inconfundible y su capacidad de mostrar las pasiones humanas y expresiones en sus pinceladas (no en vano fue una de las figuras claves del Expresionismo), es perfectamente visible en el resto de su obra, y que ahora se puede observar de un modo más completo.

Simbolismo, color y las pasiones humanas son las tres claves para entender la obra de Edvard Munch. Tres claves que están en constante sintonía, consiguiendo así que en la trayectoria de Munch sea visible una evolución, pero también una vuelta a los orígenes constante que logra que su obra sea totalmente circular.

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Atardecer, 1888

La melancolía

Para muchos Munch era, al igual que Van Gogh, un pintor con una personalidad muy estrambótica (eufemismo de loco) debido a cuadros como “El grito”, “Pánico” o “La mujer vampiro”. Pero en realidad Munch no hacía otra cosa que intentar retratar los mayores temores y ansiedades del hombre. Y en un momento en que las ciudadades se estaban desarrollando a pasos agigantados, ¿cuál sería el ansia más común sino esatar rodeado de gente pero sentirse en completa soledad?

Este sentimiento es por ello uno de los más reflejados por Munch, a través de pequeñas obras donde hay un grupo de gente y entre medias una figura solitaria qe observa al espectador con cara de terror. Una imagen ciertamente inquietante, pero que en el fondo todos hemos sentido en algún momento. La diferencia con Munch, es que él sí se atrevió a reflejarla a través de un cuadro.

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Ansiedad, 1896

Pero este no es el único sentimiento que reflejó Munch hasta la saciedad. Y es que algo muy común en la obra de todos los artistas, pero que en el caso de Munch llegaba a parecer una obsesión, era el repetir constantemente elementos y temas que llamaban su atención, creando así series en las que aparecía la misma imagen sin apenas variaciones… Una práctica que ciertamente no ayudó mucho a que desapareciera esa imagen que se tenía de él de ser un obsesionado.

Si a esto añadimos que, tan interesado como estaba en reflejar las pasiones humanas y que muchas de esas pasiones no son ciertamente agradables, tenemos así el ejemplo perfecto de artista loco que creaba obras sobre la muerte, la enfermedad o la melancolía, y que supusieron uno de los temas centrales de su obra.

Melancolía, 1892

Melancolía, 1892

La enfermedad y la muerte

Con respecto a la melancolía, hay que entender también de dónde procedía Munch: un pueblo de Noruega en el que la naturaleza se mostraba grandiosa frente a la insignificancia del hombre, y donde era común ver a figuras señoriales observando las costas de Noruega al atardecer, pero a los que se ve completamente ensimismados en sus propios recuerdos. Esa es la definición perfecta de melancolía, y que Munch fue capaz de retratar como nadie.

Y con respecto a la enfermedad y la muerte, otros de sus temas centrales que repitió hasta la saciedad, ocurre más o menos lo mismo. Por muy dramático que sea representar a una mujer muribunda o directamente a un fallecido rodeado de sus familiares, y más con un perfecto uso del color para intensificar ese dramatismo; no deja de ser un tema en el que el hombre siempre piensa por el simple hecho de ser mortal.

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La niña enferma, 1907

Los colores y la mujer

Ya hemos visto que la obra de Munch siempre ha girado en torno a las grandes obsesiones del hombre. ¿Y qué mayor obsesión hay para el hombre que la mujer? Si a esto añadimos que Munch tuvo la suerte de vivir en una época donde la figura de la mujer comenzó a emanciparse del hombre, tenemos una combinación explosiva que queda patente en la mayor parte de la obra del artista noruego.

De este modo, en sus primeras obras era común ver esa figura solitaria de mujer melancólica que siempre aparecía vestida de blanco, reencarnando así la pureza y virginidad. Y frente a ella, el otro arquetipo de mujer a representar era el de la mujer adulta y encogida, vestida de negro porque ya veía venir la inexorable muerte.

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Madre e hija, 1897

De nuevo, esta imagen no debe hacer pensar que Munch estaba obsesionado con la muerte. No dejaba de ser un humano más que, como todos, sabía que algún día tendría que morir y que veía ese momento con una mezcla de curiosidad y temor.

A esto hay que añadir la importancia de los colores, y sobre todo el simbolismo de los colores, para reflejar esas pasiones y sentimientos humanos. De este modo es común que el blanco sea el color perfecto para representar a esa mujer joven, melancólica y virginal; mientras que el negro es el más adecuado para la mujer adulta y cercana a la muerte.

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Mujer, 1925

Aunque enseguida Munch tuvo que añadir más colores a ese simbolismo. Fue así cuando la mujer dejó de ser solo ese objeto de deseo por parte del hombre, y se convirtió en una dominante por derecho propio, ya que ella era quien decidía con quién quería ir, y sobre todo cuándo.

Con la llegada de la libertad sexual de la mujer surgió el desnudo femenino en la obra de Munch, siendo muy interesante la obra “Mujer”, donde se ve perfectamente la trilogía de la evolución de la mujer.

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Asesinato, 1906

Además de liberarse sexualmente, la mujer trajo a la obra de Munch un cúmulo de sensaciones y obsesiones que pasaron a formar parte de la psique del hombre: el dolor ante el amor y el desamor, y los celos.

El amor y los celos

Destaca con esta temática la serie “celos”, en la que introduce dos figuras constantes en su obra: por un lado una pareja abrazándose de fondo, como recuerdo de esa felicidad del amor que también retrató de manera individual; y en primer plano un hombre solo y con unos ojos muy expresivos (es casi lo único visible de su rostro) que observa al espectador, al que hace partícipe de su dolor.

Una obra que me llamó mucho la atención al demostrar como pocas la capacidad de Munch de adentrarse en la mente del hombre en apenas cuatro pinceladas, es “Asesinato”. En esta obra tan solo aparecen dos figuras: el asesinado y el asesino, y un pequeño detalle que confirma cuál ha sido la causa de la muerte: el corazón del hombre expuesto, con la asesina observando su crimen casi con desinterés… Una de esas obras que encierran toda una historia para que el espectador la pueda ir desgranando poco a poco.

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Mujer vampiro, 1893

Junto a esta serie de celos, destaca en la temática relacionada con la mujer la serie Mujer vampiro. Como su propio nombre indica es un claro ejemplo de femme fatale que acababa de surgir, ante la que el hombre es solo su víctima.

De esta serie destaca de nuevo el color por encima del detallismo, donde un elemento en concreto llama poderosamente la atención: el rojo de la cabellera de la mujer que cae sobre el hombre, tapándole completamente, mientras le quita la vida a través de su boca… ¿Existe acaso una imagen más clara del poder que tiene la mujer, ese ser tan hermosamente terrorífico, sobre el hombre? Yo creo que no.

Más info

Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza

Fecha: Hasta el 17 de enero de 2016

Precios: General, 10 €. Reducida para mayores de 65 años, pensionistas y titulares del carnet joven, 7 €. Gratuita para menores de 12 años y desempleados con con acreditación.

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Acerca de barbaracruzsanchez

Leo y veo de todo. Y cuando digo de todo es de TODO. Nunca sabes qué serie o libro hay por ahí escondido que va a acabar convirtiéndose en tu favorito...
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